出其不意的材质和组合方式，艺术的思考方式，手工的制作手法，让首饰披上了“当代”的外衣。在传统首饰面前，它的身份似乎令人难以捉摸——究竟是配饰，还是艺术品？
当代首饰在各个国家有不同的名称，在英国被称为“design jewellery”或者“contemporary jewellery”，在法国则被叫做“creation jewellery”，意大利人称其为“art goldsmithing”，而美国人更倾向于称它为“art jewelry”或者“studio jewelry”。尽管人们给当代首饰制造了花哨的名词，但它的存在似乎还一直处于一个小众的领域。
当代首饰可以被看作是一种习练，以手工为前提，这种设计活动可以在中世纪的手工作坊中找到根源。在上世纪60年代，由于人们对个性的追求，还有对手工艺的回归，它一直或多或少地挑战着批量生产出来的配饰产品。
而它也可以被看做是一种介于high-street的珠宝和艺术作品之间的物件，既有艺术的思想表达，又混杂着当代文化的影响。它以人的身体作为领域；涵盖了各种艺术创作中会使用的材质和制作手法，只是被赋予了一种可佩戴的特性；逃脱消费产品，借以满足消费者欲望。
当代首饰还关联着一个与它紧密相联的市场。在大多数国家，通常有数个gallery在负责当代首饰的销售和推广。如果设计师想通过这些作品来生存的话，他们的作品至少必须在5家首饰gallery里出现。从这一点来看，它的市场很像艺术市场，有限的曝光度让它的存在面临挑战。
与传统珠宝首饰明显不同的地方，也许是在于它的材质和概念。动物骨骼、木质、陶瓷、金属、塑料……这些都让当代首饰显得粗犷、乖张、冷酷。设计师们更多地把自己定位为反映社会、启发思维的艺术家，刻意在与传统首饰、大众时尚保持距离，用一种反主流的姿态表达个性。我们也很庆幸能拥有像Ted Noten、Kim Buck这样的首饰设计师，让我们从现实中抽离出来，反窥现实。
^Ted Noten
Necklace: Ice Ball 2007
Inspired by Siberian Necklace 2006
From the series Global Tactile Pieces Vol.II
^Kim Buck
Brooch: String of Pearls with Gold Lock 2003
Silver, gold
^ Gemma Draper
Brooch: cut and birth 2006
Horn, opal beads, pink quartz beads, silver, steel
^ Felieke van der Leest
Necklace: Gusz Goosz 2006
14kt gold, textile, glass, […]
the naked ladies alphabet
by Vanessa Beecroft
the naked ladies alphabet
by Anthon Beeke
女人裸体组合成的字母被用在了2007年9月由意大利的EDIZIONI CHARTA公司出版的“VBLV”书里。而这些字体是由行为艺术家Vanessa Beecroft“创作”，一共有8个字母组合成了LOUIS VUITTON的名字和LOGO。
这些人体字母其实抄袭了荷兰的平面设计师Anthon Beeke在1970年创作的“Naked Ladies Alphabet”。
不知道Vanessa Beecroft创作这些几乎一样的字母是出于什么想法，尽管她改用了她自己经常使用的模特，头发和肤色都明显不同，但字母上人体的排列基本相同。
Vanessa Beecroft已经决定停止使用这些字母并通知第三方也停止使用。出版公司已经召回了所有流通到市场上的书，也停止了相关的推广。
LV当然也停止了使用这些侵权的字母，并且正式向Anthon Beeke致歉。目前还没有任何赔偿的报道，也许因为并没有很正式地投入到商业上的使用并产生经济利益，虽然早在去年这些字体在Louis Vuitton香榭丽舍旗舰店上方的艺术区有过展示。当时Beecroft在活动中告诉媒体这些字体灵感来源于在一家旧货店找到的杂志上的图片。
这条关于抄袭的消息也许会在艺术圈里制造一些小波澜，因为Louis Vuitton一直都在和艺术家合作，比如以前跟日本艺术家村上隆（Takashi Murakami）合作推出的樱桃包，既叫卖又叫座，而品牌的创意总监Marc Jacobs和Richard Prince一起推出了08春夏的“after dark”系列 。相信这样的抄袭再到道歉，并不会影响品牌把艺术转化成商业价值的速度，只是一小段插曲而已。
如果从美感上来说，我还是更喜欢Anthon Beeke创作的人体字母，身体的线条更优美一些，皮肤的质感特别像大理石。很多公司都曾经想使用他的这些人体字母，他也提供过一些非商业用途的使用，比如在推广比利时文化活动Manifesto时，海报上就用了这些字母。
在Diane，a shaded view on fashion的blog上看到Back by Ann-Sofie Back 的s/s 08系列。很有“精于心，简于形”的感觉，白色衬衫有当年Jil Sander的风范。能一下子抓住人眼球的衣服，不容易。设计元素不多，却运用得相当极致。Ann-Sofie Back来自瑞典，真是聪明的设计师，一点一点地出，不急于倾出其所有。鳞片从少到多从上衣到长裙慢慢渗透，而黑白的硬朗被透明质感的薄纱所打破，裙子的大褶夸张得恰到好处。看得出面料也是最新最潮流的。
在Ann-Sofie Back的网站上看到她之前的几个系列，都是在简约中稍微带点实验精神的，裁剪也颇具功力。
下面是Ann-Sofie Back 的A/W 07系列
下图是Ann-Sofie Back的S/S 07系列，是我之前看过特别喜欢的一组设计，深藏着一种浪漫的情怀。
经常有看到一些来北京旅游的老外穿这样的鞋——Espadrilles（绳织鞋），也有看到一些外国女孩穿中国的千层底，觉得都特别范儿，不知道为什么，对棉啊麻啊之类的东西特别喜欢，尤其是那种皱皱的麻，穿在身上总觉得有一种亲近自然的优越感。
扯远了，想说的是Espadrilles。Espadrilles是一种很平民的休闲凉鞋，来自欧洲西南部西班牙和法国交界的比利牛斯山（Pyrenees）地区，鞋底是用粗麻绳压成的，鞋面是普通的棉布或者帆布。因为鞋底的粗麻绳它才成其为Espadrilles，麻绳底下面是橡胶底，是后来为了让鞋子更为耐穿而加在鞋底。法语“espadrille”来源于“espardenya”，这个词来源于“espart”，espart是地中海地区一种草的名字，它很坚韧，被用来做粗绳。从14世纪开始，在Catalonia就已经有这种鞋子，而现在在那个地方还有一些超过100年历史的espadrille鞋店。
下图是在巴塞罗那一家老店拍摄的鞋架，上面摆满了Espadrilles：
下图是世界上最有名的espadrilles品牌——Pare Gabia生产的鞋，这个公司位于法国南部Sainte Marie de Gosse，这里是Espadrilles的故乡。为了能让Espadrilles坚固耐穿，每一只鞋都是用手工将帆布和麻绳鞋底拼缝而成。最近几年Pare Gabia的设计师已经开始为这种平民鞋设计出新款式，比如坡跟的，芭蕾舞鞋式的系带鞋等。
现在，Espadrilles已经成为法国的平民鞋，十几欧元就可以在街上买到一双。
关于这种绳织鞋，可以看英文的wiki。 最近几个夏天，YSL，Fendi，Donna Karan，Agnes B，Muji都推出了他们的Espadrilles，款式各异，但都紧紧跟随这股自然休闲风。
写这篇blog，是因为我想要一双Espadrilles，hiahia。个人觉得，穿Espadrilles，一定要穿平底的，而且要经典的黑色，穿到旧旧的就成下面这样的了，拖拉着穿。
SANS的布袋衫（[]-Shirt），在方方正正的布袋上挖几个洞洞，就成了。尽管人不是一片式的，但是面料是针织的稍微带点弹性的就不存在结构问题啦，在有胳膊和脖子的地方弄几个出口，身体就可以待在里面了。腰臀交接处还有专门的过渡，很形式感的交代。
布袋衫很适合丐帮，如果用无纺布，还无需滚边。
但是如果从面料来看，就不适合丐帮了，因为太高级（没有鄙视丐帮的意思）——竹丝混纺的面料和有机棉应该是时尚里追求有机的人士所喜爱的。
SANS的设计师为Lika Volkova和Alessandro DeVito，他们已经在纽约推出过三个服装系列，是最近一届Ecco Domani Fashion Foundation比赛的获胜者之一。不过从设计上来看，还是这个特别的系列——布袋装最赞，够简单，够形式，够年轻。
这个主意还是很不错的，记录一下你这一周的消费。
看一下Print杂志7月8月合刊的这期杂志，里面有一个名为the obsessives的主题策划，探讨关于消费癖好的问题。找来了四个年轻人John Freyer, Nick Feltron, Ellie Harrison 和 Kate Bingaman-Burt ，分别用各自的方式记录下自己一周的消费情况（a week’s worth of consumption）。在604,800秒钟内时间、金钱和资源其实就是一闪而过。
上面是Kate Bingaman-Burt自己“拷贝”下来一周内的小票。她在上大学的时候，曾经花了整整28个月的时间，把每天购买的东西画下来，不管是买杯咖啡，还是买本设计类杂志，她都饶有兴致坚持做这件事，直到她拿到艺术学位。但是她所做的还不止这些。在那之后，她开始拷贝信用卡的消费记录。“人们总是不好意思说出他们赚了多少，或者欠了多少。我觉得把自己欠的帐与别人分享，会让你有更大的动力去还钱。做这件事情会让欠账看起来不那么可怕，也许有趣的是还能鼓励人们去想一下他们欠的钱，还有他们买的东西。”
在她的帐单速写和快速更新的Flickr stream中，她像是拿了一把镜子，照出了我们的购物癖。但是她并非想宣扬一种反物质主义的观点，只是想让自己和别人都能意识到自己买了什么东西。现在，她是密西西比州立大学平面设计专业的副教授，同时也在美国的一些画廊展出自己的画、摄影和装置作品，有时候也为一些出版物写些关于设计和消费主义的文章。关于消费这样一个热门的话题，还有她可爱的手绘图，让她幸运地受到诸多关注，最近Yahoo! Picks登出了关于她的一篇文章。
下图是print杂志上另一个年轻人Nick Feltron的消费记录，是一种像tag一样的方式，字体越大估计就是花费得越多。
这个主题很合我最近的所思所想——关于消费。也许很多人都在想这个问题，同事lina在选题会上也说了关于Kate Bingaman-Burt的小票手绘。
print杂志这种主题策划不知能否引起人们的反思，不管怎么样，看起来还是挺有趣的。关于消费，关于浪费，关于环保，总之是个麻烦的问题。也是个一直要被挨骂的问题:(
:)我自己就有很大的购物癖，家里有一堆包，一堆拖鞋，一堆……horse说：“你花钱并不是为了买东西，而是追求拿钱换东西的那种快感。”hiahia，既然已经上升为癖好了，那就很难除掉的，需要分析一下心理学的东西了。
斯洛伐克有着深厚的历史文化，人民却如同一介布衣，朴素地保持着美好的传统。扎一个玉米皮小妇人，编一个铁丝甲虫，织一块花边，钩一个小天使，雕一个木头人，不同方式的创作，都传达出一种简朴的生活态度，如同那些安身在山间用几百年前的方式生活着的老人，用一个个不合作的手势保护着自己的生活方式，其实都是一种取舍之后的真实生存状态，这个小小的国家通过许多小小的故事在解释着自己的个性。
幽幽的城堡和庄园
斯洛伐克是世界上城堡最多的国家之一，上百座城堡散布在这个小小的国家里，成为这个国家旅游业中最特色的一个部分。坐在车上，常常会看到远处山头上巍峨但却破旧的城堡，可惜时间太有限，只能远远观望。据说，斯洛伐克民族遗产部为每座建筑物的保存状况和周边环境进行标价，包括那些年久失修的城堡和庄园，价格从几十万欧元到几千欧元不等。其中建于14世纪的维格拉什城堡的建议售价竟然是1克朗(合人民币两角五)，几乎等于免费赠送。这座城堡位于斯洛伐克中部地区，坐落于一座山丘之上，四周有高墙包围着。
然而，天下并没有免费的午餐，在低价购入历史建筑物时，买家必须承担建筑物的修复和保养费用，而这项花费往往高达数百万欧元。事实上，这些建筑物的情况都很糟糕，需要进行翻修，而政府部门缺少大笔资金，这也正是这些古堡低价出售的最重要原因。
当然，修复也不是任意的。斯洛伐克民族遗产部要求，修复计划必须要得到该部门审批，并遵守各项严格规定。比如，不得使用塑料窗框和现代建筑房顶材料，违反者将受到巨额罚款。
但是我们探访的城堡和庄园则是那些保存完好的重点建筑，属于国家财产。参观的唯一一座城堡Bojnice Castle竟是迪斯尼城堡的原型。童话式的造型只是它吸引人的原因之一。从12世纪开始建造的城堡是不同时期所有者不断改造而成，每一个房间的陈设都有说不完的历史。城堡的地下有一个1967年才对公众开放的岩洞，据说在石器时代曾经是古人的居住地。岩洞中两个深达8米和12米的水池连接着其它的岩洞，在灯光下泛着幽幽的绿光，很有点慎人。
位于Betliar的庄园看起来比城堡较为宜居，它坐落于现在的Betliar公园内，最开始是安德拉西家族狩猎的住所，后来成了这个家族娱乐的场所。安德拉西家族喜欢旅游，一层陈列着来自世界各地的纪念品，其中还有熊、大象和海龟的标本。二层和三层的房间主要是用来会客和休息，每个房间都会根据用途有不同的装饰。一个专门的房间摆放了茜茜公主的半身雕像，还有安德拉西伯爵为她加冕的油画。一段并不圆满的爱情故事成了这个庄园里最为感人的记忆。
（上图）Bojnice Castle
（上图）Betliar庄园
（上图）安德拉西陵墓
天主教堂，犹太教堂和基督教堂
除了那些宏大的天主教堂，比如首都的圣马丁教堂和科希策的圣伊丽莎白大教堂，其实在斯洛伐克还有犹太教堂和基督教堂保留着很强烈的民族和文化印记。
导游Dagmar说：“斯洛伐克有60%的人信教，其中有60%是信罗马天主教，这里是罗马天主教最东边的领地。12%的人信基督教。还有大约3000到7000人信犹太教，之所以人这么少，是因为战争的迫害，二战前的犹太人有12万左右。”
Liptovsky Mikulas的犹太教堂讲述了一段关于犹太人在这个城市里经商到后来二战中被迫害的过程，现在它被用来作为音乐厅、展览馆，据说，它可能会成为一个犹太文化的博物馆。
而基督教曾遭受天主教的排挤，只能把教堂盖在距离城市很远的村庄，而且只能用便宜的木材来盖，只能在规定的时间内盖完，不允许用铁钉和任何金属，不允许建塔顶……于是，在斯洛伐克，有很多用木材建造的教堂，比如我们看到的Hronsek基督教堂，就是把造型美丽的塔顶与教堂主体分别建造，每块木头之间都是用木榫来固定。手臂受了伤的老太太数年如一日的看管着这个教堂。她跟我们说，“当初我父亲一辈子看管这个教堂，他去世前把这个任务教给了我。最开始我很不愿意，但是现在理解了，这座教堂成了我生活中很重要的一部分。很多人都来这里祷告。”
（上图）Liptovsky Mikulas的犹太教堂
（上图）Hronsek基督教堂塔顶部分
河流与森林
斯洛伐克境内的河流很多，北部的Dunajec河位于斯洛伐克和波兰交界处，每年5月至10月是漂流的季节，曾经用来运木头的方式如今成了一种自然的体验。穿着民族服装的男孩Brano和Martin一路撑船带领我们漂流过数道弯，水流并不急，偶有颠簸，不过有惊无险。作为一条界河，右岸是斯洛伐克，左岸是波兰。在同一条河里漂流的还有波兰大叔撑的船，据说波兰的船总数是比斯洛伐克的四倍。沿路两边是葱葱郁郁的山林，我们看过了波兰自然公园，听过了陡壁上7个和尚和一个女人的传说。
结束漂流，做着马车回到游乐公园。这处公园和漂流都是Jan Gondek经营的产业。他坐在凉亭里为我们讲述他的生活。“是我祖父开创漂流的旅游，我的祖父教会我要懂得热爱土地，只有对它付出才能有回报，所以每年我们都要种很多树。”“失去了放羊的传统，这是这个村庄最大的遗憾。”“我每年都会帮助斯洛伐克与波兰政府在山上确定分界线”……
在北部高塔特拉斯山，2004年的一场飓风把一大片山林给扫荡一空，有些甚至被连根拔起，光秃秃的山上偶尔有幸存的一两棵树，齐刷刷地被剔了个莫西干头，可能用梳子来形容更合适，孤零零的几棵树显得无比寂寥。“再长出这么大一片树林不知道得经过多少年，”当地人每每说起来都无比惋惜。自然在给予人类好处的同时也会不客气地来点黑色幽默，而对于这样一个小国家来说，小小的天灾就可以带来很大的困难，比如河水的暴涨就可以把村庄整个淹没。尽管这样，他们对自然的感情却没有改变。有一天早上，我看到旅馆附近居住的老太太一手牵着她的小狗，拿着塑料袋，溜狗的同时随手把地上的废纸捡了放在袋子里，回到家门口的地方再把袋子扔到垃圾桶里。
而爱护大自然的回报是让人意想不到的——在某个小城，我们看到马路边的电线杆上筑了个巨大的鸟巢，两只白色的鹳在上面优雅地望着远方，背景是蓝蓝的天。那么大的鸟巢不会掉下来吗？我很纳闷，仔细一看，鸟巢下面是专门焊出来的铁支架，电线也从其他电线杆“绕行”。看来这对大鸟在这里已经住了很久，而且也很会摆pose了。
（上图）Dunajec河上漂流，划船的小伙
（上图）Jan Gondek
（上图）Jan Gondek经营的游乐公园内，12星座的木雕
朴素的东欧饮食
有天早上逛完科希策的集市，问起导游Dagmar平时家里的饮食，她饶有兴致地说了起来：“早饭视时间而定，没时间的时候稍微打法就可以了，时间充裕的时候，我喜欢把青椒、西红柿、青瓜等蔬菜伴成沙拉，吃点香肠和点缀着罂粟种子的面包圈，喝上一杯茶，然后去工作。我喜欢吃大葱，如果不用跟别人见面的时候，会切点大葱到沙拉里去。晚餐的时候，会做一些鸡肉汤或者猪肉汤，汤里会加入一些羊奶酪，还有斯洛伐克式的烤鸭，配油浸米饭。但是有段时间控制体重，会在十天的时间里不吃奶制品……”
羊奶酪是斯洛伐克的特产，也是当地人无法抗拒的食物。北部的吉普赛人有一种特色的吃法，在面包片上抹上一层厚厚的新鲜羊奶酪，然后拍到切碎的大葱上，再撒上辣椒粉之类的调味粉，就可以张开嘴大口吃了，吃下去不止是奶酪和面包的味道，更多的是吉普赛人不羁的方式。
除了爱吃羊奶酪，斯洛伐克人还喜爱吃土豆——小的土豆直接蒸熟或煮熟配牛肉或猪肉吃，大的土豆会切成小块放在汤里。他们极尽能事，恐怕除了中国人爱吃的土豆丝，这里的土豆可以有其它所有吃法。
某天中午，在东部Roznava小城与市长Frantisek Kardos共进午餐，吃到了当地特色菜——第一道是饺子，用土豆磨粉做成饺子皮，土豆泥和羊奶酪混合而成的饺子馅；第二道是用豆角、猪肉、土豆、番茄一起煮的浓汤，据说这是当地矿工最传统的一道菜。主菜包括中间加入羊奶酪的猪肉块（表面裹上淀粉炸熟的），加上米饭和炸熟的土豆块、切成丝的蔬菜沙拉，满满当当一大盘是他们最热情朴实的待客方式。在他们自己的生活中，也喜欢把荤素搭配好放在盘子里一并享用，在中午时用最快的速度吃完后继续下午的工作。东部靠近匈牙利的地方人们也吃米饭，有一些是古代传自中国，也有一些是本地大米。
吃饭的时候，市长说起了Roznava流传的一个关于酒的说法——人的起源是从李子到李子酒，然后才发展到猴子，再到人。不知道是因为猴子喝了李子酒才变成人，还是李子酒自己就变成猴子，我至今未弄明白。
也许是东部人太爱喝果汁酒了，才会编出这么个东西，西部的斯洛伐克人则喜欢喝葡萄酒，在首都附近的Penzinok城，喝到了Bozen餐馆自家酒窖里珍藏的各种斯洛伐克葡萄酒，据说只有北部的温度和湿度才适合酿造干红，南部只能酿造出葡萄酒，口感很甜，适合搭配饭后甜品一起享用。
斯洛伐克大部分饮食都很朴素，以原生态的食材为主。去往北部高山湖的公路两旁，不断地看到卖蘑菇的女孩、老太太，他们自己采来的蘑菇摆放在地上。斯洛伐克旅游局的朋友Maria兴匆匆地买了一篮，她说这里的价格比首都便宜很多，拿回家后母亲就能做出美味的蘑菇汤。
（上图）老百姓常吃的面包
（上图）吉普赛人将新鲜羊奶酪抹在面包上吃
（上图）加入羊奶酪的猪肉块（表面裹上淀粉炸熟的），土豆块
（上图）新鲜的蘑菇
photo by Annick Geenen
常常在回忆05年冬天的安特卫普之旅，因为在那里，我得到过很多关于服装的新理解。Ann Demeulemeester说：“我们并不缺衣服，这个世界已经有了足够的衣服。”从物质上来说，确实，我们并不需要那么多的衣服，但是从精神上来讲，我们又太需要有新的东西，新的表达，衣服跟我们生活的联系已经远远超越了物质的层面。就好像Raf Simons，他说他最想传达的信息是：个性的骄傲。
也许像Raf Simons、Veronique Branquinho这样的设计师，带给我们的感染力就是那种肯定个性的主观态度，还有对理想的热烈追求，用一种前卫的风格、逆反的精神带人走入未来世界，使人们在都市的喧嚣中，感受充满幻想的心灵空间，体验温和的浪漫主义。
Raf Simons
Raf Simons是继安特卫普六君子之后最为成功的比利时设计师之一，身处于刻板的主流时尚体系中，他却常常在反思，在寻找一条革新之路。作为一个时尚产业中的革命者，他是一个左派，但是看着他坚守的一些东西，却在某种程度上让人觉得他是一个不折不扣的保守派。
1968年出生于比利时Neerpelt的Raf Simons于1991年完成工业设计和家具设计的学业，成为画廊和家居空间的设计师。曾经为Walter Van Beirendonck的Showroom和几个服装系列作过陈列和布置，这段经历让他决定转向服装设计行业。之后，又受到安特卫普皇家艺术学院服装专业负责人Linda Loppa的鼓励和支持，终于在1995年经过自学，发布了以Raf Simons为名的第一个系列。但是在2000年3月，Raf Simons关掉了自己的公司并休了个长假。因为品牌发展得越来越快，他开始感觉被时尚产业中更商业的部分所局限。为了给自己一个重新投入的理由，他表示自己将退出时尚，需要时间考虑走向那个方向。但是在一家名为Gysemans的比利时服装生产商走近Raf Simons并提供一次新的合作机会时，他于2001年重新开始服装的事业，合作者比之前少了许多。
2004年10月，Raf Simons重整自己的公司，与Futurepresent达成授权协议，并由Futurenet公司负责其服装的供应。2005年6月，推出Raf by Raf Simons。2005年7月担任Jil Sander男装和女装的创意总监。
虽然Simons的衣服是精心裁剪和制作完成，但是在他的世界里，服装并不是最核心的部分。更重要的是态度、情绪和陈述。这也是为什么音乐、艺术、表演、影像和话语在他的世界里扮演了那么重要的角色。所有这些因素被加在一起，表达了他想要描述的世界。试图检验今天的男人和男孩的精神境界，包括他自己在内的精神境界，他把过去和现在的年轻文化融入传统和根源的观念，从中汲取灵感。朋克、歌特、摇滚所代表的年轻人的革命精神在这里并不是一种复古或怀旧，而是被转变和赋予了新的能量，新的定义，带着一种独立自我的宣言。
他用很多方式来避免落入时尚产业的圈套和漩涡，最明显的就是自己选择模特的举动。否认了时尚杂志和时尚广告中宣扬的那种男性魅力，Raf Simons从来就不采用“专业模特”，而是在安特卫普的街头或者是比利时的村庄搜寻合适的面孔。与这些“业余”模特的沟通会非常有趣，有时候他们会提出自己的意见，甚至会不喜欢某一件衣服。而Raf Simons会因为模特不喜欢而不让他穿上，因为他不希望这一切只是执行他自己的意愿或者态度。他甚至会很投入地去寻找他们喜欢或不喜欢的理由。而一些五六年前只有15岁的男孩，原本穿得很街头，但是当他完成学业需要找工作的时候，他们会开始重新审视一些自己原来很质疑的穿着，会问Simons是否有窄肩的西服。而这些细小的事情，正是Raf Simons想要的，他正是想改变一些服装行业的成规。
说到2007年春夏的系列，Raf Simons想表达的是未来，虽然其中有很多来自过去的美好回忆。白色高领针织衫配黑色短裤，大色块的无袖恤衫配黑色细腿长裤，黑色风衣和角斗士的凉鞋。黑色风衣让人联想到大卫林奇的电影《象人》中的服装。解构、重构仍然是Raf的设计语言。
Veronique Branquinho
她说自己并不想把自己局限到当下的热门，比如某位法国歌手，比如某部电影，尽管她会欣赏其中的美感。Veronique的设计感觉更多的是来自她身边的朋友，还有那些一起走在街头的人。她做的是现实的服装。也许正是这一点，她的服装得到很多前卫艺术风格杂志的欣赏，每每都会得到足够多的报道。
2007年春夏，Veronique Branquinho带来了她略带爵士味道的设计。伴随着Judy Garland的Over the Rainbow，还有来自Elvis和Bee Gees的音乐，模特穿过珠帘，缓缓进入Palais de la Porte Doree的秀场。微卷的刘海带着怀旧的色彩，轻薄飘逸的白色裙装仿佛吹来春天的微风。丝和棉的天然质感转换到银色的未来风格，延续着一种清淡的感觉，转到黑色的一组。垂顺和挺括的面料交替着，在层叠的结构中铺陈出简单却富有装饰味道的雅致。金属质感的高腰蓬裙、针织的透明上衣、连着吊带的七分裤，还有将丝质围巾转变成裙摆的连衣裙，都是Veronique Branquinho给这一季带来的惊喜。
在Veronique Branquinho的世界，衣服传达的是她每日的所看所听所思所想，时间是一种进行时状态，加入她对未来的想象和憧憬。高中时期学习现代语言的她，在经过多年学习后进入服装设计行业，也跟Raf Simons一样坚守着强烈个人风格，用素色的浪漫主义传达着她对时尚的理解。
后记：Annick Geenen是在安特卫普认识的一位摄影师，有时候杂志拖稿费的时候她还在email中很凶，不过还是可以理解的。何况她还在她的website上表示感谢 的还有我的“大名”，真的很感谢。
第一眼看到Richard Sweeney创作的纸雕塑作品就被吸引，他自己布光自己摄影，把光线和阴影处理得极其细腻。层层叠叠的纸在光影下显得既细腻又壮观，仿佛被Richard的一双神奇手赋予了生命，安静的空间形成了一种极有张力的拉锯。
Richard Sweeney今年才22岁，是曼彻斯特城市大学三年级的学生，但是他对结构的痴迷和细腻的把握却让他在这再普通不过的媒介——纸上创作出纯美的作品，并不断得到赞誉（06年7月他获得了DKNY新设计师大奖）。用同样的小单元，不断重复组成庞大的设计，是Richard的一种创作方式，而小的单元灵感来源于自然的形状，比如花朵。
Richard Sweeney说他并不想重复任何一个造型，在做一件作品的时候，一开始往往并不清楚最后会出现怎样的一个结果。他开始把玩弯曲的形状并不是有意去跟折纸联系起来，但是却着实受到David Huffman的弯曲折纸的影响。他的折纸造型是抽象的，这样更方便于使用技术重复地创造类似的造型。
把平面的材料变成三维的造型，是Richard最早的动机。从小时候，他就很喜欢观察身边所有细微的东西，并把他们画到自己的画里。原本打算成为平面设计师，后来却发现了自己在空间创作上的天分，而且对细节的热情和在二维和三维转换上的能力让他开始不断尝试纸张和厚纸板的创作。对三维的着迷开始于2002年到2003年期间，那时的Richard就读于Batley艺术与设计学校，从手工实践中开始发现自己在三维造型上的天分，并一发不可收拾。
正如他自己说的：“我崇拜折纸手工，把一张平纸变成漂亮的三维作品的方法让我觉得非常受启发。在学3D设计的时候用纸来制作模型，看到纸张被用来作为雕塑的材料，我被深深震撼了。用手来操作，在制作和实验的过程中我培养了自己的手艺，发挥材质最大的可能性，从而寻找方法来发现新造型。”电脑在平面上画图，加上手的帮助，基本上是Richard创作的方式。如果没有一种深深的热爱，我觉得很难想象每天对着枯燥的材质，如何能像他那般做出精致的一个个作品。从这点上来看，Richard Sweeney是个理想主义者，完美主义者。
他现阶段正在做一系列的纸雕塑，做更大规模的作品，并且准备在塑料和金属材质上做更多的实验。而他设计出的一款“折纸手工”合金碗将于今年年底由Wentworths of Sheffield公司投入生产。能把纯粹的东西变得商业一些，让更多人能分享这其中的快乐和美感，是一件很令人高兴的事。
上图是为英国服装品牌BOUDICCA设计的装饰花
法国女摄影师Camille Vivier属于70后，但是却在少年时期就已成名。18时岁的她得到人生的第一台相机，尼康FM2。那是10年前，杂志对于她来说，是她觉得最容易接受、接触最多的媒介。i-D杂志,The Face和Purple Prose正在改变人们对杂志的固有印象。Camille Vivier在Purple Prose的经验打开了一个让她兴奋不已的世界，这个世界正好贴近她所处的年代和她的感性认知。最重要的是，她开始在杂志上面刊登出自己的摄影作品。高中年代的她还发现了Wolfgang Tillmans的摄影集。Tillmans完全颠覆了她心目中对摄影的看法，尽管她已经看过很多颠覆时代的摄影师作品，比如Irving Penn，Newton，Blemenfeldt，但是那些太过于刻意和世故。Camille Vivier想要看到一个她自己参与到其中的世界，Tillmans作品中的世界正好是一种可触摸的自发状态。所以她觉得自己也可以拍摄，或者至少已经找到一个标准，而不是从那些笨拙的作品中揣摩。这一标准可以用到杂志、CD封面、展览甚至是广告创作上。有趣的是，到现在人们仍然延续着一种对舞台感、非现实和神秘主义的喜好。Camille很聪明地找到了出色的学习对象——那些占据各种封面、不装腔作势的摄影师：Guy Bourdin，Bruce Davidson，Outerbridge，Man Ray等。即使她自己很喜欢杂志和展览，但是觉得它们太过于短暂。现在对于Camille来说，最大的兴趣是做书，拍电影。
Camille Vivier用她自己的方式构思每一幅图片，把物件、人和动物融入到她所精心设计的情境中。“即使我想的是自己被拍摄的对象所吸引，但实际上最重要的是，我被某一瞬间的感性或者某个女孩或动物的美丽所吸引，还有这一切可能讲述的故事。”Camille选择每一个拍摄对象时心里已经清楚，它将使她的世界变得丰富，它可能描绘出一个故事来，就好像小说中的人物。而灯光在拍摄的过程中充当了“服装”的作用。
奇妙的氛围来自于不同的组合、表演，以及可能的情境和不合理的关联中。通过某种方式，Camille Vivier让拍摄对象扮演一个谜一样的角色，有的变成神秘角色，有点类似于魔幻文学中古玩橱柜扮演的虚构元素。她常常会用电影和绘画的方式来思考，但是她布置拍摄对象的方式更接近于戏剧。正是这种舞台的表演方式和想象力吸引了她——Erte的装饰和服装，Veronesi的悬丝人偶，Walter Boje的裸体小丑，还有默片时期影片《Laugh，Clown，Laugh》中的Lon Chaney。也许是因为这些形象，在Camille Vivier的镜头下，所有女孩都非常安静，仿佛被凝结住了。
而关于动物，它们仿佛是动物寓言的主角，因为Camille Vivier把动物眼中的肌理拍摄出来，瞬间就激发出人和动物之间某种奇妙的关联。而由动物所激发得到灵感和内心的冲动成就了每一张图片，在Camille内心，她们扮演不同的角色：危险、欲望、诱惑、焦虑等。在这些不同的身份中，你会发现不同的来源——Jean Ray的哥特童话，Mervyn Peake笔下那些魔幻故事比如Gormenghast Trilogy（《哥门鬼城》），还有Werner Rohde的自拍像，以及Anne Clark高贵的声音和电子合成的音乐等。
现实世界的视觉影像却组合出奇幻的语言，Camille Vivier的拍摄过滤掉繁杂的成分，留给人们不受束缚的想象空间。世界演变成一个无形的体系，尽管现实并没有被改变。而实现这个过程并不需要任何设备，只是通过表演，通过对一种风格的关注，以及光影的变幻。Camille Vivier说，她的拍摄想法借鉴于潜意识和梦境中的意象、神秘的vanitas艺术、魔法、神话，以及个人在灵异、恐惧、感性、爱情中的体验，于是形成了具有个人色彩的美感。在这样一种并置的虚幻世界，她找到了自己看事物的独特方式，留住了现实中最美好的部分。尽管我们看到她的世界中充满了黑暗和忧郁，但实际上它包含了青春和希望带给我们的浪漫情怀。
Yan: Could you tell me about your first editorial work?
Camille Vivier: My first editorial wasn’t a proper editorial shooting, I think it was for Purple Fashion, a story about Eric Halley’s […]